Kathrin Borer – Matrix Intima
a cura di Anna Daneri
dal Com. stampa. : Il progetto pensato dall’artista svizzera appositamente per gli spazi dello Studio, nasce come una sorta di mappa mentale che attraversa le tre stanze contigue dello studio, un percorso emotivo, politico, sequenziale in diverse atmosfere incentrate sull’interazione tra individuo e società. La Mostra è stata realizzata con il sostegno dell’Assessorato alla Cultura della città di Basilea. L’evento si è svolto in concomitanza con la presentazione di “Piazzetta Contemporanea”, iniziativa realizzata in collaborazione con Unimedia Modern e VisionQuest 4R la realtà, che vede in Piazza Invrea un polo del contemporaneo.
Abstract di una conversazione tra Andreas Hagenbach e Kathrin Borer
AH: La riduzione e l’aggravamento sono mezzi centrali per te, che si dirigono direttamente verso la precarietà.
KB: (…)“Credo nel conflitto. Altrimenti non credo in niente”, disse una volta Heiner Müller. Nell’arte, sono più interessata al dramma che al mondo intatto, perché mi permette di elaborare l’esemplare in maniera maggiormente puntuale. Punto verso la precarietà, perché lo sguardo si rivolge comunque al bello. Nei miei nuovi disegni, affronto lo spazio pittorico in modo diverso.
AH: Giochi con gli opposti. Le tue opere spesso oscillano tra un’esecuzione estetica e precisa e contenuti abissali. Hai citato prima Heiner Müller, quindi veniamo al tema della lingua: È un mezzo importante per te e anche qui operi in una forma molto precisa e ridotta.
KB: Per me, il linguaggio è un mezzo proprio come il disegno o gli oggetti, e qui non faccio alcuna differenza. Sono diverse sfaccettature di un mondo e non posso dire tutto allo stesso modo con ogni mezzo di comunicazione. Ognuna delle tecniche mi offre un diverso fattore di resistenza. Mi piace il termine “operare” per l’immagine che da – spesso immagino il bisturi come il mio strumento di lavoro ideale in senso metaforico. Sezionare, esporre le cose alle loro ossa e a volte diventa sanguinoso. E non perché voglio che sia sanguinosa, ma perché il tema è sanguinoso. Passo da un media all’altro per non cadere nella routine. Voglio restare sveglia. Quella che tu chiami diversità ha un motore-denominatore comune. Tuttavia, ci sono temi che tendono a venirmi incontro dal mondo esterno, che parlano di questioni sociali. E poi ci sono i miei mondi interiori, di cui io stessa a volte sono sorpresa, ma, anche questi non sono completamente distaccati dal sociale, perché ne faccio parte, strofinandomi contro di esso. Ci sono lavori che io chiamo ‘lavori a membrana’ e che si trovano tra gli opposti di cui abbiamo parlato. Questa membrana ha un effetto osmotico su entrambi i lati. Se considero questo, allora in realtà, tutti i miei lavori sono lavori a membrana. A volte l’osmosi avviene più dall’esterno verso l’interno, a volte più dall’interno verso l’esterno. Il mondo mi viene incontro da entrambe le parti.
Matrix Intima
Conversazione tra Kathrin Borer e Anna Daneri
AD: Matrix Intima è il titolo della tua mostra da Prisma Studio. In latino “matrix” significa utero e deriva da ‘mater’, madre; in inglese si usa per definire l’insieme di condizioni che fornisce un sistema in cui qualcosa cresce o si sviluppa..“ Noi tutti pensiamo immediatamente anche al film : «Matrix è ovunque. È intorno a noi. Anche adesso, nella stanza in cui siamo. È quello che vedi quando ti affacci alla finestra, o quando accendi il televisore. la avverti quando vai al lavoro, quando vai in chiesa, quando paghi le tasse.È il mondo che ti è stato messo davanti agli occhi per nasconderti la verità..»;la dimensione intima e politica si unisce anche grazie all’aggettivo combinato.Questo titolo potrebbe essere letto come una sorta di Manifesto, introducendoci non solo al progetto della mostra ma anche alla tua pratica in generale ?
KB: Le mie idee espositive nascono fuori spesso da qualcosa di “vegetativo” , come una sensazione o un interesse di base che si riferisce al mio attuale lavoro. Quindi, passo dopo passo, mi avvicino al tema centrale della mostra. Vale lo stesso per il titolo. La lingua gioca un ruolo importante nel mio lavoro e trovare un titolo è quindi un lungo processo.
Un titolo dovrebbe conformarsi come una seconda pelle, così la relazione al termine “madre” come concetto che mi interessa in questo contesto perché appartiene ad argomenti visibilmente differenti.La prima cosa che ci viene in mente è protezione, cura, sacrificio, ma questa “maternità” può anche essere prepotente, soffocante o condiscendente.Poi c’è anche l’aspetto politico, ogni sistema è molto abile nel mascherare le relazioni di potere. Si porta l’idea di un manifesto nella nostra conversazione, un manifesto forse no, sono profondamente scettica riguardo a proclami di questo tipo che mi rappresentano qualcosa di troppo rigido e assoluto.C’è poco o addirittura nessuno spazio per agire fuori dagli schemi, quindi poco o nulla può difficilmente crescere in aggiunta e tutto ciò ha qualcosa di quasi proto-religioso anche per me; con il termine “intima” si va ben oltre gli aspetti pubblici. Si tratta di vulner/abilità, dei miei mondi interiori che sono fluidi, in movimento. La sensibilità non può derivare dall’indurimento. Dopo Beuys liberamente dico : “Show your wound and bandage the knifet ” – “Mostra la tua ferita e benda il coltello”. Ovviamente la mia posizione (politica) è chiaramente riconoscibile nella mostra, e in questo senso, è una sorta di confessione.
AD: Nell’opera “Verkündigung III” [Annunciazione III] hai disegnato frasi tratte da altri autori che parlano delle lotte politiche e di classe del passato e del presente e nella precedente conversazione con Andreas Hagenbach citi la frase di Heiner Müller : “credo nel conflitto, altrimenti non credo in niente“. Quale ruolo assumono il dramma e la rivoluzione nel tuo lavoro?
KB: [ride] Ho contrabbandato la citazione di Heiner Müller in questo lavoro, egli non si adatta affatto al profilo degli autori (malfattori) presenti in “Verkündigung III”.Heiner Müller, dopo Bertold Brecht, è stato il più importante scrittore teatrale di lingua tedesca del XX secolo, mi ha insegnato l’importanza del dramma e della „revisione“, come ho detto nella conversazione con Andreas, a cui ti riferisci, sono attratta da precondizioni precarie e instabili. Lo sguardo è sempre attratto dalla bellezza, e così anche il mio. Ogni tanto mi faccio lo sgambetto, semplicemente trovo più eccitante lavorare sugli abissi, inclusi i miei. Preferisco mettere i fiori sul tavolo da pranzo o prendermi cura del mio giardino, che tra l’altro, è abbastanza grande, ma non è certo un argomento del mio lavoro in studio. Il giardinaggio costituisce un equilibrio e mi fa stare con i piedi per terra, perché in qualche modo devo anche proteggermi da tutte le mostruosità che compaiono nel mio studio.
Mi chiedi della rivoluzione. Se le rivoluzioni hanno successo, probabilmente è solo per un breve momento, anche con la migliore volontà del mondo, non riesco a pensare ad una rivoluzione che avrebbe successo a lungo termine. Il sistema probabilmente si appropria di ogni rivoluzione. O mi sbaglio? Questa dinamica è una specie di “Perpetuum mobile“ (Moto perpertuo).
AD: “The inside of the outside of the inside“ ( “The Innerworld of the Outerworld of the Innerworld ” Cfr P. Handke) dal titolo del libro di Peter Handke risuona con la tua reazione alla tripartizione dello spazio, creando una connessione tra quello che chiami “il mondo esterno” e il tuo “mondo intimo”; c’è una tensione espressa nelle opere che troviamo nella prima stanza che è invertita nell’ultima. Qual è il ruolo che dai alla “membrana”? È una sorta di decantazione, fa riverberare spazio come la pelle raffigurata nel titolo del grande disegno che stai mostrando lì ricorda “Fellkontinent” [Continente di pelliccia].
KB: Nel mio lavoro affronto diversi temi, questa metafora mi era venuta in mente come una specie di chiave, l’osmosi tra stati diversi o tensioni come dici tu. A volte l’effetto dall’esterno è maggiore, a volte lo è l’effetto dall’interno ed entrambi si nutrono a vicenda. È un po ‘ come un tipo di respirazione. Non ho una formula quando sono in studio, salto tra diversi argomenti a media per evitare di cadere in una routine. La situazione spaziale di PRISMA Studio è quasi ideale per aver implementato questa metafora in una mostra. Dal mondo esterno alla membrana c’è la separazione del vetro, ampia e trasparente, “comprensibile”. C’è il percorso della membrana verso il mondo interiore, e la vista dello spazio dietro di esso non è completamente visibile. È quasi come fosse una grotta entrata o un “rito di passaggio”. La Membrana è un punto di innesco e lì siamo vicini alla tua domanda sulla pelliccia: si riferisce a qualcosa di molto ancestrale, arcaico; riscalda e offre protezione. Le pellicce appaiono ancora e ancora nel mio lavoro. Non disegno esseri umani, gli animali assumono invece una sorta di ruolo rappresentativo, e ciò rende la situazione ancora più vulnerabile, perché gli animali sono così alla mercé della nostra specie.
“Fellkontinent” è anche la storia di una tripla domesticazione: prima, l’umanità ha addomesticato animali selvaggi come le capre per sfruttarle come risorse – beni di consumo, nell’era del riscaldamento centralizzato e del comfort infinito, le pellicce rappresentano una sorta di compensazione per la natività perduta. Disegnare questo lavoro mi ha tenuta sulla carta per settimane. Ma quale addomesticamento! La pelle ci serve come protezione e interfaccia. Quando si stacca la pelle, l’interno diventa visibile e molto vulnerabile. “Five Points For” si riferisce sia al mondo esterno (come Giorni Genovesi) che al mio mondo interiore.
AD: L’intero progetto mi sembra molto legato all’esperienza di residenza a Genova, stai distillando nelle opere esposte “lo spirito del luogo” come definiva Kabakov il contesto specifico di intervento di un artista in relazione allo spazio pubblico. Come hai vissuto la città? Qual è la tua connessione “intima” con essa?
KB: Sono contenta che tu abbia citato Kabakov, sebbene egli sviluppi installazioni e progetti completi fino ai minimi dettagli per un luogo specifico, è sempre biografico. Nel mio lavoro spesso assemblo opere diverse o parti di esse per creare qualcosa di più grande. Lo spirito del luogo è davvero un aspetto importante per me, ma forse in un modo diverso. Mi sento sempre come in un grande campo di risonanza – ecco perché il mondo mi attacca così fortemente ma io non sono in una bolla, dunque il luogo fa accadere qualcosa, agisce, in me.
Genova rappresenta il punto di svolta nella storia contemporanea di come il potere statale si è messo contro i suoi cittadini – una sanguinosa e dolorosa transizione nel XXI Secolo, molto sintomatica. Questo non è specifico solo per l’Italia o Genova, è specifico per ciò che viene chiamato la difesa dei privilegi delle élite di potere, e potrebbe (quasi) essere accaduto ovunque i sistemi sono stati messi alla prova. L’eccezione alla regola sullo stato di diritto è forse un attegiamento tipicamente italiano, ma in un senso molto più ampio da allora il potere ha spostato l’attezione dai cittadini che ora sono quasi senza parole e azioni, per “loro” è stato un successo. Questa mostra è davvero speciale per me, forse è una sorta di rivelazione, una conseguenza logica della mia borsa di studio; forse sono diventata un po ‘dipendente dalla città. Genova non è un hotspot per l’arte contemporanea, ma lo è per creare arte, altre cose sono importanti come ad esempio la cordialità che mi è stata mostrata. Questo mi fa cadere ancora e ancora, mi offre un terreno per lavorare in un ambiente protetto. Il soggiorno di sei mesi nel 2017 è stato qualcosa di fondamentale per me, ma forse è troppo presto per parlarne. Le cose richiedono tempo – magari facciamo un altra mostra tra qualche anno e poi vedremo.
Genova, Ottobre 2019